5. 판화인식의 역사적 변천임영길 - 홍익대학교 미술대학 판화과 교수
1. 초기 목판화부터 인쇄술이 발달된19세기까지 2. 20세기초에서 현재까지 3. 최근 정보화 사회에서 미래까지
우리가 판화를 보는 자세는 판화의 출현에서부터 현재까지, 각 시기에 따라 다르게 변화하여 왔고 미래에도 변화할 것이다. 이러한 인식의 변화는 초기의 목판화 기법의 개발에서 부터 인쇄술이 급격하게 발달하게 시작한 19세기까지, 그리고 20세기초부터 현재까지도 최근의 정보화 사회에로의 진입으로부터 미래까지 크게 3단계로 나누어 볼 수 있다. 8세기 경부터 시작된 목판화 기법과 15세기 부터 시작된 동판화 기법 그리고 18세기말에 발견된 석판화기법의 발전과 전개과정은 주로 인쇄매체의 발달과정과 밀접하게 관계되어 있다. 그것은 예술적인 목적이라기 보다는 현실적인 목적 (즉 종교적이거난 일상생화을 위한 목적)으로 또한 회화를 복제하는 수단으로써 주로 사용되어 왔다. 물론, 이 시기에는 예술적인 판화작품들이 전혀 없었던 것은 아니나, 그 발달가 전개과정이 예술적인 경향의 변화라기 보다 인홰 매체의 발전에 따라 이루어졌다는 것이다. 대부분의 판화는 많은 양을 인쇄 할수 있는 복수성에 중점을 둔 전달캐체로서, 전달과 보급에 중점을 두었다. 그래서 판화가는 회화에 비해 예술적 가치가 낮은 것으로 평가되었다. 이러한 이유로 판화는 미술관 보다는 주로 책을 다루는 도서관에서 취급하고 수집하였다. (이 당시 에는 전문적인 수집가는 없었고 왕이나 귀족계급이나 종교 집단에서 주로 수집하였다.) 이 시기에는 판화를 회화처럼 벽에 걸어 놓고 일정한 거리에서 감상하기 보다는, 책처럼 직접 손에 들고 가까이서 감상하고 취급했다. 이런 감상방법은 이미지의 세부와 그 기법의 완성도에 주목하였다. 그런 이유로 판화는 감상 방법에 맞추어 제작되었다. 초기의 목판화는 동양에서 종교적인 사상체계를 전달하는 데에 사용되었고, 특히 불교의 경전와 불화를 보급하는데 한 몫을 담당하였다. 8세기경에 만들어진 것으로 추정되는 한국의 '무구정과 다리니경'은 현존하는 최고의 목판이며, 이후 판화는 불경이나 유교 서적의 삽화적인 전적류가 주류를 이루었다. 이러한 목판제작 기술은 9세기경 유럽에 전해졌다. 유럽 초기목판화도 족요적인 주제가 많았다. (현존하는 최초의 서양목판화는 1380년경 프랑스에서 제작된것으로 그 이미지에 십자가의 그리스도 장면이 담겨있다.) 14세기 전후의 초기목판화는 주로 성화물 제작, 성서, 성서의 삽화를 위한 것, 그리고 놀이용 카드제작 등의 종교적이거나 현실적인 목적으로 제작되었다. 15세기 중반 르네상스 미술의 전성기에 동판화 기법이 개발된 이후 많은 판화공방들이 목판화 보다는 동판을 이용한 판화를 제작하게 되었다. 이 기법은 동판에 뷰렌으로 홈을 내어 날카로운 선을 사용하여 묘사하는 인그레이빙 방법으로 목판보다는 이미지가 섬세하고 형태가 쉽게 마모되지 않아서 대량생산이 가능하였다. 이 기법은 재판하는데에 많은 숙련을 요하고 찍는 것도 목판에 비하여 까다롭다는 단점도 있다. 이 당시 판화는 회화나 벽화와는 전혀 다른 점에서 중요성을 갖고 있었는데 그것은 회화난 벽화는 고정되어 있어서 지역적인 효과 밖에 깆지 못하나, 판화는 이탈리아에서 알프스를 넘어 북유럽등 전세계로 새로운 미술을 퍼지게 할 수 있었던 것이다. 이점은 판화과 예술의 소통구조에 상당히 기여하여 왔음을 밝혀주는 분명한 예이다. (현대미술에서도 판화는 회화나 조각작품보다 운반하기가 용이한 점 때문에 국제적으로 빈번하게 교류가 이루어지고 잇다.) 이 인그레이빙 기법은 17세기 에칭 기법과 19세기의 석판화 기법이 발견되기 전까지 가장 중요한 판화의 기법으로 초기 판화사를 지배하였다. 이 당시 중요 작가들오는 이탈리아의 '폴라이 우올로'(Pollauiolo) '만테냐'(Andrca Mantegna) ' 마르칸토니'(Marc' Antonio Raimoni) 그리고 독일의 '마스터ES'(Master ES), ' 마르린 숀 가우어'(Marin Schongauer), '뒤러'(Albrechat Durer) 등이 있으며 북유럽의 '크라나하'(Lucas Cranach ), '홀바인'(Holbein), '브뤼겔'(Pieter Brugel) 등이 있다. 17세기에는 '엣칭기법'이 18세기에는 '아퀴턴트'기법이 개발되어서 '인그레이빙 기법'을 대신하게 되었다. 이러한 새로운 기법으로 동판화는 더욱 손쉽게 풍부한 이미지를 표현할 수 있게 되었고 또 원화들은 더욱 정교하게 복제할 수 있게 되었다. '렘브란트'(Rembrant)는 엣칭 기법을 실험하고 본격적인 판화작품들을 만든 17세기 네덜란드의 최대 화가였으며 판화를 독립된 예술품으로 인정받게 만든 판화가였다. 또한 스페인의 '고야'(Goya) 역시 판화를 독립된 예술의 장르로 승격시킨 작가였다. 18세기 말에는 독일에서 석판화 기술이 개발되어서 판화의 흐름을 바꾸어 놓았다. 그 당시까지 사용되었던 동판화기법 보다는 석판화 기술이 더 제작비용이 적게 들고 공정도 쉬웠기 때문에 사람들은 동판화보다 석판화를 선호하게 되었다. 또한 석판화 기법의 개발로 붓을 자유롭게 사용할 수 있고 윈색들을 겹쳐서 인쇄할 수 있게 되어서, 화가들도 쉽게 판화에 접할 수 있게 되었다. 상업적으로는 포스터나 상품표지, 책 등을 주로 사용되었다. 이 시기의 대료적인 석판화가는 '도미에'(Honore-Victirin Daumier)인데 그는 신문과 잡지에 산화를 수록하였으며 그 이후 신문과 잡지의 삽화들은 거의 석판화로 제작되었다. 그는 19세기 근대미술에 있어서 판화와 미디아와의 연결 가능성을 최대한 활용하면서, 판화를 높은 예술적 경지로 끌어 올렸다. 또 '뚜르즈 로트렉'(Toulouse-Lautrec) 은 다색석판화를 연구하여 평면적인 효과의 많은 포스터를 제작하였다. 그는 관레적인 판화기법에서 벗어나서 판화의 새로운 가능성을 발견하였다. 19세기말의 많은 인상주의 작가들도 그들의 예술세계를 완성시키는 보조수단으로 판화를 제작하였다. 특히 '드가'(Degas)는 최초로 모노타입으로 작업하였다. 18세기 산업혁명 이래로 과학문명의 눈부신 발전과 함께 19세기 중반에 사진이 등장하였고 인쇄술도 전자동화로 발전되어 갔다. 그 결과 19세기 말에서 20세기 초에 이르러서는 그 인쇄과정에서 작가의 손이 개입할 여지가 없어졌다. 사진이 판화가의 눈을 그리고 인쇄기가 판화가의 손을 대신하게 된 것이다. 그래서 19세기까지 의 판화와 인쇄매체와의 밀월관계는 끝나고 20세기 에 들어와서는 판화는 회화를 복제하여 보습하는 수단이 아니라 하나의 표현 장르로서 회화쪽에 가까워 졌다. 이것은 판화가 회화사의 변천과정에 개입하여 서로 영향을 주고 받는 관계가 되었음을 의미한다. 이제 판화의 전개과정은 회화사조의 전개과정과 맥을 같이 하게 되었다. 이러한 예는 20세기초에 일어났던 독일 표현주의 작가들이 목판화를 제작한 방법에서도 알 수 있다. 그들의 제작방법은 과거의 전달과 보급을 용이하기위한 '우드 인그레이빙'(Wood-Engraving)방식이 아니라 표현에 중점을 둔 '우드 컷'(Wood-Cut)방식이었는데, 이 방법은 목판화가 갖는 예술적인 표현성을 강조한 것이었다. 또한 60년대에 미국 팝아트의 많은 작가들은 그들의 예술관을 표현하기 위하여 붓을 내던지고 '실크스크린 기법'에 몰두하였는데 그 이유는 실크스크린 기법이 기계적으로 화면을 균일하게 칠할 수 있기 때문이었다. 이러한 실크스크린 기법은 당시의 매스미디어의 산물인 대중문화의 이미지와 맞아 떨어졌으며 그들의 예술관을 붓으로 칠한 것보다 더 정확하게 나타낼 수가 있었다. 물론 다량의 복제성을 갖는 대중 이미지의 표현과 또 사진 이미지를 쉽게 캔바스에 고착시킬 수 있다는 잇점도 작용했다. 이처럼 현대에 이르러 판화의 개념이 회화와 같아지면서 판화는 화랑이나 미술관에서 취급되고 소장되기 시작하였다. 판화를 감상하는 방식도 회화와 같아져서 손에 들고서 가깝게 보던 종래의 방식을 벗어나 벽에 걸고 일정한 거리에서 감상하는 방식으로 바뀌게 되었다 이러한 감상태도는 이미지의 세부보다는 전체의 조화에, 그리고 기법의 측면보다는 표현방법의 측면을 강조하게 된다. 이렇게 판화가 회화쪽에 가까워지자 판화의 복수성 개념이 달라지기 시작했다. 과거에는 거의 무한정으로 찍어내던 판화에 한정찍기(Edition)개념이 도입되었고 판화가 복수의 오리지날 작품으로 인식하게 되었다. 그런데 이러한 판화의 오리지날 개념은 여러사람에 의해 다르게 사용되었고 그 결과 그 가치기중이 매우 애매하였다. 그래서 판화가들 스스로가 최소한도의 기본적인 제한조건의 지킴으로서 자신의 작품이 남발되는 것을 사전에 막고 판화작품 개개의 가치를 보증할 수 있는 약속의 필요성을 느꼈다. 그래서 1960년 비엔나에서 개최된 제 3회 국제미술인회의(The Third International Congress of Artisits)에서 인준된 사항을 기초로 해서, 1963년 유네스코 지부의 '국제화가, 조각가, 판화가협회'(International Association of Painters, Sculptors and Engravers) ' 영국위원회'가 세부원칙을 첨가하여 오리지날 판화의 개념을 정의 하였다. 이 처럼 판화의 새로운 오리지날 개념이 생김으로써 오리지널 판화를 소유하려는 관심이 높아지고 이는 판화 제작의 확산으로 이루어졌다. 이러한 확산은 새로운 판화제작시설을 만들게 하였고 수많은 판화 출펀업자와 수집가 및 수집전문업체가 세워지게 된 계기가 되었다. 판화를 회화와 동등하게 인식하게 하는데에는 판화공방의 역할도 컸다. 1930년대에 '헤이터'(Stanley William Hayter)에 의하여 프랑스 파리에서는 만들어진 '아뜨리에 17'에서는 여러 가지 오목판화의 기법을 연구하였다. (그 연구중의 하나가 '한판다색법'으로 불리는 '헤이터 기법'의 개발이다). 그가 여러 가지 혁신적인 판화기법을 개발한 결과 사람들은 현대판화에 많은 호기심을 갖게 되고, 또한 영감을 불러 일으켜서 새로운 가능성을 열어 주었다. 또한 1960년 '준 웨인'(JUne Wayne)미국의 로스엔지리스(L.A)에 타마린드 석판화공방(Tamarind Lithography Work shop)을 설립하였는데 이곳은 포드재단이 상당히 재정적 후원을 하였다. 이곳에서는 많은 판화가를 배출시켰으며 석판화의 새로운 기법들을 연구하였다. 이 타마린드 석판화 공방으로 인하여 미국 전역으로 많은 석판화 공방이 보급 전파되었다. 이와 함께 '유니버셜 공방'과 Gemini G.E.L. (L.A소재), U.L.A.F Crown point press(샌프란시스코와 뉴욕에 위치), Peterburg Press(뉴욕), Tyler Graphics 등의 미국의 공방들이 판화를 전통적인 개념에서 새로운 개념으로 변화시키는 데 앞장서고 있다. 예를 들면 '테일러 그라픽스'의 '켄타일러'(Ken Tyler)는 최근에 '프랭크 스텔라'(Frank Stella)와 '로젠 퀴스트'(James Rosenquist)의 판화작품을 제작하였다. 여기에서 그는 판화의 표현성을 여러 가지로 연구하여 확장하였으며, 판화로써 엄청나게 큰 사이즈로 제작하였다. '제미니 공방'(Gemini G.E.L)도 타일러에 자극받아서 '켈리'(Elisworth Kelly)의 다색판화 작품을 거의 240cm의 폭으로 제작하였는데 이러한 예는 판화의 전통적인 개념에 대한 도전이며 회화에 접근하려는 시도라 하겠다. 이렇게 유명화가들의 판화제작으로 판화의 지위가 높아졌으나 상대적으로 전문판화가의 등장이 문제가 되기도 한다. 어쨌든 이러한 공방들의 노력에 의하여 판화의 표현기법과 종이에 대한 관심이 높아졌고 순수예술서의 추구로 독립성을 갖추려는 판화가들이 증가했다. 새로운 표현을 요구하는 이들에게는 판화는 판례없이 신선한 매체가 되었고, 또 판화용으로 색도와 재질을 갖춘 동일한 종이를 지속적으로 생산하기 위하여 종이제작을 위한 공방이 생겨나게 되었다. 판화가 회화에 접급하려는 또 다른 시도는 '모노타입'의 기버에서도 나타난다. 최근에(1990년) 미국의 보스톤에 있는 '현대미술관'(Museum of Fine Arts)에서는 'The Unique Print-Recent Monoprints and Monotypes'라는 전시를 하였는데 이 전시를 조직한 M.F.A의 판화, 드로잉 큐레이터인 '크리포드 액클'(Clifford Ackley)는 지난 "몇십년동안 모노타입은 판화가 아니다라고 단정짓는 것이 보편화 되었다. (이것은 모노타입이 복수성을 가지지 못하는데 기인한다. 그러나 모노타입에 있어서는 이전에 찍었던 흐릿한 잔상이 다음장에 그대로 나타나는 이미지의 효과를 중시하는데 이것 때문에 미약하기는 하지만 복수성으로 연결시키려는 의견도 있다.) 그런데 1968년에 하바드대학의 '포그미술관'(Fogg Art Myseum)에서 '드가'(Degas)의 모노 타입 작품들을 전시한 것이 모노타입을 판화의 일부라고 받아들이게 된 계기다 됐다"고 그는 주장한다. 실재로 뉴욕의 '가너 털리스'(Garner Tullis)공방에서는 지난 30년간 모노타입을 독점적으로 제작해 왔다. 이러한 현상은 판화의 개념을 확대하려는 하나의 시도로 받아들일 수 있다. 이와 또 다른 시도로서는 판화가 조각이나 또 다른 첨단 미디어 매체와 가까워지는 것이다. '멀티플 오브제'(Multiple Objects)라 불리는 3차원적인 판화작품의 출현과 컴퓨터 혹은 레이저 스케너, 프린터, 복사기, 팩스 등을 이용하려는 경향이 점차 활기를 띠고 있다. 한 예로 '호크니'(David Hockney)는 복사기(Copier Machine)를 이용하여 작업을 하였으며, 특히 1989년의 상파울로 비엔날(Biennale Sao Paulo)에서는 24장의 팩스(Fax) 전송된 조합작품을 전시하였다. 이런 경우는 원본이 아닌 단지 그 이미지의 전달방식에 의하여 작품이 되어지는 경우라 하겠다. 물론 이와 같이 첨단매체를 이용하는 것에 반대하는 의견 또한 만만치 않다. 뉴욕의 현대미술관(MOMA)의 판화 디렉터인 '리바 케슬만'(Riva Castleman)은 "컴퓨터로 만들어진 이미지는 컴퓨터의 결합구조(geometry)에 의하여 제한 된다. 그래서 그것은 극단적으로 기계적(mechanical)이다"고 부정적인 견해를 밝힌다. 또 오목판화 기법만을 고집하여 작업을 하는 '크라운 포인트'(Crown Point) 공방의 디렉터인 '카탄브라운'(Kathan Brown)은 "엣칭은 대단히 느리고 시간을 요하는 기법이다. 그러나 그 결과는 가장 풍부하고, 섬세하다. 그것은 단지 잉크를 종이 위에 얹져 놓는 것이 아니라 종이 속으로 압력을 가해서 베어들게 하는 것이다."라고 말하며 전통적인 판화기법을 고수하고 있다. 그러나 최근에 들어서서 각 예술분야에서 탈장르 현상이 두드러지게 나타나고 또 첨단 정보매체가 등장하여서 모든 것이 빠르게 움직이고 풍부한 영상의 표현을 요구하는 현실에서는 고전적인 판화개념만으로는 판화가 살아남기 어려워질 것이다. 물론 판화라는 장르는 장인적인 기질의 기술적인 문제와 예술가의 손을 중시한다는 특수한 상황 때문에 이러한 첨단 매디어 매체를 이용한 새로운 판화개념을 도입하는 것은 시간을 요할지 모른다. 그러나 과거의 판화개념이 인쇄의 미디어적 측면과 함께 전개되었던 것처럼 앞으로의 판화도 현대의 미디어 체계를 끌어안을 준비를 하지 않는다면, 즉 새로운 판화개념을 정립할 준비를 하지 않는다면, 판화라는 장르는 박물관에서 확인할 수 있는 과거의 것이 될지도 모른다. 이러한 새로운 개념하에서 판화가 더 이상 회화처럼 벽에 걸어놓고 감상하는 것이 아닌 또 다른 형식을 취할 수도 있음을 충분히 상상할 수 있을 것이다.
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